991 - Derek Bailey et Keiji Haino "Drawing Close, Attuning - The Respective Signs of Order and Chaos"

  1. (01:18)
  2. (02:15)
  3. (01:48)
  4. (03:57)
  5. (09:40)
  6. (26:02)
  7. (30:25)
Duo en totale roue libre, qui invente son chemin.
Les 2 guitaristes, "habitués" des duos (et autres combinaisons à plus de 2) avec tout ce que le monde des musiques improvisées compte comme étant des artistes majeurs car libres depuis plusieurs décennies (pour une liste exhaustive, laissez moi un siècle, minimum), nous offrent plus de 70 minutes de musique absolument étonnante.

Certes, personne n'écoute Derek Bailey et / ou Keiji Haino d'une manière banale.
Ce n'est pas de la musique pour ascenseurs, à moins d'être en état d'a-conscience et d'imaginer que la cabine n'est pas ce qu'elle semble, mais se rapproche d'un vaisseau spatial qui va, très bientôt, perdre toutes ses parois.

Le Grand Saut, en fait.

Tomber DANS le Ciel, au moins pendant 70 minutes...


990 - Sainkho Namtchylak et Evan Parker "Mars Songs"


To my knowledge this is the first time Evan Parker has recorded with a vocalist (both musicians appeared on a 1993 Leo double-CD, Synergetics / Phonomanie III, but performed together only briefly, and not in a duet setting). But don’t expect Ella Fitzgerald Sings the Evan Parker Songbook. Like Chick Corea, now Namtchylak sings, now she sobs. Not metaphorically, but really. Now she cries, growls, hums, chatters, chirps, and, yes, throat sings, producing a weird high tone in harmony with herself. Anyone expecting anything resembling conventional Western singing need not look into this one.

Yet it is a striking artistic statement. Parker’s playing is precise and empathetic. Namtchylak produces a huge array of sounds that intertwine with the sounds of Parker’s instrument to create a hypnotic tapestry. A thousand moods and emotions are evoked and transmuted. Parker is a paradox: he always sounds like himself, and to the casual listener might seem to be forever recycling a few formulas. And yet the intricacy of his attentiveness to whomever he is playing with, and his adaptibility, is on a level with the very greatest tenor and soprano players, even his mentor Coltrane. While Mars Song is not for those who cannot do without established song forms and traditional patterns of tension and release, it is an immensely rewarding musical document


All About Jazz

989 - Peter Kowald "Silence and Flies"

As you would expect on a single improvisation that lasts over 45 minutes, Kowald strives to empty his bottomless bag of artistry. Instead, roaming imaginal realms, he invents endlessly, generating melody and sound like a bass database gone berserk. Deep rolling slurs whirl up from the lowest notes, bending and curling. Repetitive patterns form and mutate into dark rough sound. Finger-fracturing runs give way to growls and near-verbalizations. Melodies intertwine chords and drones. Hands explode into a locust plague of notes. Quiet reflective tunes betray strength, not rest. From roaring thunder to feathery overtones, he ends the tour de force with what sounds like Tibetan throat singing over arco.
All About Jazz

"... he ends the tour de force with what sounds like Tibetan throat singing over arco."


988 - Islaja "Blaze Mountain Recordings"

Sidestepping the curious studio experiments that cradled Islaja's songwrting on previous albums like Meritie, Palaa Aurinkoon and more recently Ulual Yyy, "Blaze Mountain Recordings" captures Merja Kokkonen in live mode, with some assistance from cohort Jukka Raisanen.

The resultant document functions as an alternative to the fragmented, disjointed song-worlds mapped out by the Finn's published output to date, making sense of the non-linear lo-fi lunacy that's become her signature sound. While 'Blaze Mountain Recordings' is by no means a crystal clear, transparent body of work (it still sounds righteously filthy), you can hear Kokkonen's music laid bare in an organically structured whole - something that only serves to highlight the fact that this is the work of one of the least conventional songwriters out there. That shouldn't be taken as some sort of euphemistic statement for "can't hold down a tune".

Far from it, Islaja carves out beautiful synth and vocal lines above a world-weary guitar chord sequence on 'Sateen Tullessa', with a harmonic range that's suggestive of Eastern scales and other such exotica. The closest run-in with pop music of any conventional variety arrives in the shape of 'Pete P', a melancholic synthesizer ditty lifted from Ulual Yyy, which under these conditions sounds uncharacteristically focused and coherent - but in a good way. The closing track 'Kristallipallosilmat' is another psych pop miniature masterpiece, making precious little sense, but retaining some sort of internal logic underlined by Islaja's harmonised vocal (which suggests she isn't just making this stuff up on the spot afterall). You can also hear what sounds like electronic tweeting, perhaps attributable to the same toy bird that perches atop Kokkonen's shoulder on the album sleeve. Even when set into the realtime constraints of live performance Islaja's music is restlessly obscure and devoid of the genealogy of influence you could assign to virtually all (other) songwriters. It's nigh on impossible to determine where this music came from, and frankly it's probably best not to know, but rather just enjoy it for the unearthly mess that it is. Highly Recommended.


Islaja’s Merja Kokkonen seems intent on blowing away her cultivated forest-child mystique, like throwing open the windows the morning after a heavy night. Is she being commendably honest when she states of her mythology that “It doesn’t really exist, of course…to sell a product, you have to have an image, you have to have that package. For us, it’s this mystical, mysterious forest thing” – as though her entire image was developed entirely independent of her own desires and wishes for her music? Even though her previous album, last year’s Ulual YYY, pictured her staring doe-eyed into the distance of what can only be described as, er, a forest? You know, with wood and trees and stuff. “And the whole forest folk thing is so passé, I think, I mean, it was four years ago that it was the big topic.” Easy for you to say, Merja. In the arboreal wilderness, no one can read your marketing plan.

Cynicism aside, this live effort from Ms K does represent a departure of sorts. There’s the cover art, for a start: in place of chilly bucolic whimsy is an irritatingly in-your-face collage of puke-bright sky, naked bloke, pencilled doodles – encroaching amusingly across said exhibitionist’s nose to give him a fetching Mickey Mouse-esque demeanour – and Islaja herself, giving the unavoidably outraged viewer the finger. I, for one, will be writing to Ecstatic Peace! about that particular step on the road to cultural Armageddon.

Fortunately, the musical realignment seeks to make a more substantial statement. Although the production retains a layer of lo-fi murk, as might be expected from a live album from an outsider artist such as this, Blaze Mountain Recordings could almost be described as straightforward compared with Islaja’s previous albums. Rather than a backing of acoustic guitars, flutes and the like built up into meandering contraptions, here her often beguiling vocals are anchored by percussion both organic and electronic. They are also brought more to the fore. Kokkonen’s voice on ‘Kammen Kynsi Kieli’ hangs in space prettily while wooden owls (presumably from the same family as the mechanical bird on her shoulder on the album cover) flit and hoot over buried drums; ‘Uni Pollona Olemisesta’ – not, unfortunately, an ironic Finnish version of ‘Una Paloma Blanca’, although hopefully that’ll turn up on the next Islaja album – is almost soulful; and ‘Sateen Tullessa’ has, for a change, an instantly recognisable internal logic that could make it a minor hit in some parallel universe. It’s more linear than even ‘Pete P’, the closest Islaja has ever come to a pop song, here rendered woozy and haunted, albeit slightly flat.

It’s a fact of life that live albums are usually slight affairs, little more than a way for established artists to contractually tread water and plug a gap between genuine offerings. Blaze Mountain Recordings is something different, ostensibly at least: even if somewhat slight overall, it’s an opening gambit that seemingly points the way toward a more accessible and earthbound future for Islaja. Indeed, her new album will, in her own words, be “wider, louder and bigger, and more clear” – and will be sung in English. Here’s hoping she can translate the genuine mystique (whatever she thinks of it) of her previous recordings into a brave new soundworld. With a minimum of crap artwork, please.

1 Kämmen, Kynsi, Kieli (3:58)
2 Sateen Tullessa (4:18)
3 Uni Pöllönä Olemisesta (3:50)
4 Emoa Ikävä (4:08)
5 Palaa Aurinkoon (5:12)
6 Pete P (3:11)
7 Silmä-Ämlis (2:12)
8 Kristallipallosilmät (3:44)


987 - Annie Gosfield "Burnt ivory and loose wires"

1. Nickolaievski Soldat (6:57)
2. Freud (4:03)
3. The Manufacture of Tangled Ivory: Part I (5:35)
4. The Manufacture of Tangled Ivory: Part II (4:55)
5. Four Roses (5:52)
6. Blue Serge (3:27)
7. Brawl (10:16)

Christine Bard: Drums And Percussion
Annie Gosfield: Sampling Keyboards
Roger Kleier: Electric Guitar
Ted Mook: Cello
Jim Pugliese: Percussion

Rova Saxophone Quartet
Bruce Ackley: Soprano Saxophone
Steve Adams: Alto Saxophone
Larry Ochs: Tenor Saxophone
Jon Raskin: Baritone Saxophone


986 - Luc Chatel : la HONTE à la Une du NYT !!!

C'est FLUCTUAT qui le signale.
Notre ministre de l'Education Nationale & encore porte parole du gouvernement se fait épingler à la Une du NYT, avec son affaire de bidonnage dans un supermarché ouvert le dimanche, truffé de sympatisants et militants UMP.
Minable ?
Oui, mais international.
La très grande classe.

C'est Rue 89 qui rappelle que déjà, il y a 1 an, Nadine Morano avait fait la même chose.
Du pur bidonnage, pour faire des images dans la boîte à rendre les cerveaux vacants.

Gouvernement de menteurs ! Et Nadine Morano est bien une menteuse.

Et pareil pour Sarkocescu, du temps qu'il était ministre de l'intérieur. Une agence avait embauché 500 intermittents, payés pour écouter son discours.
Tous des tricheurs.

******************** un peu plus tard**********************

Pitoyable tentative de rétropédalage de la part de la direction du supermarché en question.

Ils sont pris dans des sables mouvants, mais même la tête dans la boue, ils essaient encore de nous prendre pour des cons.
Misérables et pathétiques variétés de l'espèce humaine, le prototype-communicant qui ne sait rien faire d'autre que de mentir.
Plus je les regarde s'agiter, plus ils me donnent la nausée. Le pire, c'est qu'ils ne font que ça, s'agiter pour donner l'impression d'être toujours actifs.
Voilà pourquoi TOUT, absolument tout est mis en scène.

Que savent-ils faire, en quoi sont ils utiles au monde, quelle est et sera leur apport à la communauté des êtres et des esprits, en quoi leurs actes sont ils un bénéfice pour nous tous, savent-ils seulement exercer une activité sincère et honnête, peuvent-ils même faire preuve de créativité, d'imagination ?
Sont-ils à ce point là tous gonflés par un égo boursoufflé qu'ils doivent systématiquement procéder par la triche, le mensonge et la vulgaire arnaque médiatique pour paraître, tels des paons, avec leurs plumes dans leur fondement ?

Y a t'il une forme de déterminisme, qui ferait que plus le temps passe, plus nous devrions "élire" des médiocres de plus en plus médiocres.

Et ce type là est donc le Ministre de l'Education Nationale. Ministre qui n'a rien de plus urgent à faire que de défendre ces hordes barbares qui n'ont pour toute activité le dimanche que de se ruer au supermarché, tellement elles se font chier dans leurs vies étriquées et tellement elles sont infectées par le virus de la consommation qui fait des humains des gens binaires tellement plus "faciles" à gouverner. Allez-y, allez pousser vos charriots dans ces allées du dernier stade du développement de l'Humain : le con-sommateur. Après l'Homo sapiens, celui qui pense, voici celui qui consomme. Vous les avez vu, les jours de soldes, se ruer dans les magasins, comme si leur vie en dépendait...

C'est ce projet là, que propose ce Ministre de l'Education Nationale (pas tout seul, hein, mais quand même, il en est, en truquant ses déplacements). Participer au recul de la pensée, faire disparaître l'homo sapiens, pour faire apparaitre un homme nouveau, "libre" de consommer le dimanche. La "démocratie", désormais, c'est de pouvoir prendre part à ce nouveau "débat" : pour ou contre l'ouverture des supermarchés le dimanche.

Voilà un vrai débat. Nous avons les débats que nous méritons.

Qu'ils s'étouffent dans leurs rayons et devant les têtes de gondoles, tous ceux qui nous poussent à n'être que des consommateurs, servis par du "personnel" payé au rabais, soumis par des petits chefs prompt à user et abuser de Droit du travail qui se réduit à presque plus rien, grâce à l'action des truqueurs qui nous "gouvernent".


985 - Lindsay Cooper "An Angel On The Bridge"

984 - Pharaoh's Daughter "Haran"

Listen to Haran, the latest album by Pharaoh’s Daughter, and you hear a musical journey from Hasidic Brooklyn to ’70s psychedelia, from an Israeli seminary to smoky bars in Turkey, and street scenes in Morocco and Zambia. Band leader and vocalist Basya Schechter has invented her own identity, still rooted in the words, sounds, and experiences of her childhood, but using her global curiosity to launch a reformulation of Judaic musicality. Haran marries the Hebraic and Biblical texts that orthodox children memorize with a modern, globally-informed Jewish sound.

Blending a psychedelic sensibility and a Pan-Mediterranean sensuality, Basya Schechter leads her band, Pharaoh's Daughter, through swirling Hasidic chants, Mizrachi and Sephardi folk-rock, and spiritual stylings filtered through percussion, flute, strings and electronica. Their sound has been cultivated by Basya's Hasidic music background and a series of trips to the Middle East, Africa, Israel, Egypt, Central Africa, Turkey, Kurdistan and Greece. She began retuning her guitar to sound like a cross between an Arabic oud and a Turkish saz, with harmonic minor melodies, and odd time signatures.

Earlier work by singer and instrumentalist Basya Schechter's Pharaoh's Daughter cleverly blended pan-Mediterranean sensuality with 1960s flower-power lyrics and rich productions. But this time out, Schechter chose to rely on traditional texts—Aramic, Biblical, Kabbalistic and Ladino songs, and poems by Sephardic Yehudah Halevy, Abraham Toledo and Rabbi Isaac Luria and Ashkenazi Rabbi Baruch Ben Shmuel of Mainz—instead of self-revealing texts like "Confession" (with the unforgettable lines: "I am a fake/A hyper-conscious Jewish fake/With a Catholic habit for confession") from the previous release of this band, Exile (self-published, 2002).
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983 - Jennifer Charles et Oren Bloedow "La Mar Enfortuna - Convivencia"


Six ans après ce début prometteur, Convivencia, dédié au poète Federico Garcia Lorca, se nourrit des mêmes ingrédients originels : musique sérafade du XIe et XVIe siècle, chansons traditionnelles et populaires d’inspiration moyen-orientales - revues à l’aune du rock, du jazz ou de la pop dévoyés - chantées tantôt en arabe, en grec, en espagnol, en araméen et en anglais, participation de nombreux musiciens additionnels, production de John Zorn... Ne serait-ce que sur le papier, ce deuxième album réfute toute idée de frontières et de sclérose culturelle. Lorsque Jennifer Charles interprète en arabe, de façon langoureuse, “Ya Kalbi Khalli Hall”, sa voix suave et volontiers sensuelle se modulant en fonction des arabesques de l’oud joué par Oren Bloedow, sans doute faut-il y entendre beaucoup plus qu’une provocation facile : l’émancipation de la femme se trouve moins célébrée par le biais de la musique qu’elle ne sert de levier à l’expression d’une voix (juive en l’occurrence) qui traverse siècles et territoires pour chanter le partage, la « coexistence » culturelle, autrefois coulant de source, aujourd’hui source de sang qui coule.

De même, l’inattendu finale de “Pali Mou Kanis To Vari”, sorte de montée en puissance soutenue par l’association de plus en plus enlevée batterie/guitare électrique/omnichord, subtilement attisée par une clarinette vindicative, injecte le rock brut dans les veines d’une chanson grecque d’un autre temps. Contraste aucunement artificiel, tout autant actualisation vibrante du passé et mise en perspective d’un dialogue fertile, qui outrepasse la vulgate du choc des cultures et échappe à l’étiquetage worldisant. La Mar Enfortuna n’est pas de ces groupes « nouveaux riches » qui, lassés de leur propre personne, vont chercher ailleurs de quoi se divertir d’eux-mêmes, visiter quelques pays oubliés afin d’en ramener des trésors cachés, brandis ensuite comme des faire-valoir. L’impossibilité reconduite de morceau en morceau à catégoriser la musique entendue, à lui assigner une unique provenance, témoigne de son extrême sophistication et de la fluidité des arrangements d’Oren Bloedow, passé maître dans l’ornementation et l’incursion de détails aussi variés qu’étonnants. Minutieusement incorporés à l’ensemble (guitare, accordéon, piano, dumbek sont souvent utilisés en contrepoint), ces motifs instrumentaux étendent le champ sonore bien au-delà des attentes que suscite un tel projet.



Six years have passed since La Mar Enfortuna's first, self-titled album, one of the most successful projects from Tzadik's Radical Jewish Culture series, and the concept is even more ambitious on this beautiful release: a modern exploration of lost or forgotten music, mostly of the Sephardim from the 11th to the 16th century, but this time the Sephardic tradition covers everything from Arabic songs through Greek and Balkan influences, Pakistani devotional kawali vocal music and back to modern day Spain.

The suggestive vocals of Jennifer Charles are still at the center, and the addition of Morocco-born, New York-based oud player and vocalist Brahim Fribgane solidifies the distinctive Middle-Eastern sound. Downtown multi-instrumentalists Ted Reichman and Doug Weiselman, who played on the first release, as well as on other Elysian Fields projects, are again on board.
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982 - Jennifer Charles et Oren Bloedow "La Mar Enfortuna"

En 2001, Oren Bloedow et Jennifer Charles enregistraient un album éponyme sous le nom à consonance latine de La Mar Enfortuna. Paru dans la série « Radical Jewish Culture » du label Tzadik de John Zorn - dont le riche catalogue dédié à la musique juive compose une mosaïque de sons particulièrement bigarrée -, un an après la sortie du vénéneux Queen of the Meadow, ce disque montrait une facette insoupçonnée du duo. Accompagné d’une bonne quinzaine de musiciens (clarinette, violon, violoncelle, flûte, accordéon, percussions, trombone...), le groupe y reprenait en effet des chansons traditionnelles, à la fois issues d’un répertoire arabo-andalou et représentatives de la diaspora juive, a priori plutôt éloigné de son univers musical situé aux portes du rock crépusculaire et du jazz charnel. En réalité, loin de constituer une simple pause récréative entre deux albums, La Mar Enfortuna venait prolonger et réinventer l’esthétique du duo (à l’époque en quête d’un nouveau label) en fécondant de nouveaux territoires - comme le funk, la musique hébraïque, le flamenco ou encore l’avant-garde rock -, sans que l’un prenne le pas sur l’autre et l’ensemble ne se transforme en un patchwork indigeste. C’est au contraire la cohérence et l’homogénéité du projet qui impressionna d’emblée, tout comme son pouvoir de fascination et son immédiate beauté.


Lorsqu'en 2001 sort La Mar Enfortuna, chez Tzadik déjà, le groupe surgit là où, à tort, on ne l'attendait pas. Une veine que, toujours chez Tzadik, le couple poursuivra pour nombre de collaborations : tribute to Serge Gainsbourg ou Marc Bolan, collaboration avec Sasha Argov ou Ben Perowsky.

Le projet La Mar Enfortuna veut donner à entendre des compositions puisées dans le riche répertoire des chansons séfarades. Des chansons d'amour, des chansons tristes, des chansons de dévotion, des chansons sans beaucoup d'illusion. Chantées en judéo-espagnol, en hébreu ou en arabe. Tirées d'un répertoire savant qui emprunte ses constructions au maqam arabe, mais aussi aux canticas, mélodies plus simples et populaires.




Guitarist Oren Bloedow and vocalist Jennifer Charles are better know as the axe and voice behind Elysian Fields. La Mar Enfortuna is part of Tzadik's Radical Jewish Culture series, and earns its place. Bloedow and Charles have taken into their collective arms the historical Sephardim melodies and dressed them in modern clothing while retaining their spirit and melodic constructions. Utilizing the talents of many collaborators, including Ted Reichman, Jamie Saft, Ed Pastorini, and Kenny Wollesen, Bloedow and Charles employ dozens of instruments to get at the dark, mysterious spirit of the Sephardim's musical heritage. They go so far as to take a piece of a melody, as in "La Rosa," and color it with enough Spanish musicality, enough Jewish history, and sexy blues, to render it a ghost of its image, to be sure. But it's a ghost that is every bit as potent as the music it was inspired by, loaded emotionally and physically with emotion, sensual grace, and the hint of sound effects trickery, that lends it a slightly creepy air -- especially when we hear the sampled voices screaming in the background. On "A La Uno Ya Naci," Charles takes the Wurlitzer as her chosen instrument of creaky expression, and slips through the snaky lines wrought by Bloedow and Steve Bernstein's elegantly muted trumpet to paint a picture of a love so broken, yet so constant, it could only have existed in antiquity. But in her breathy, subtle vocal timbres and hushed accents, she finds the same passion within herself to carry the lyric into the present and make it believable. La Mar Enfortuna is among the most accessible records issued in the Tzadik series, but it is poignant and provocative nonetheless, full smoldering passions, broken lives, shattered hearts, and a sense of migration and dislocation. It offers a view of the trace, the cipher, the place where something or someone used to be but the only thing left is his possessions. Ultimately, La Mar Enfortuna is a record of disappearance and memory, and from this gorgeous, heartbreakingly beautiful, and sensual account of memory expressed, new traditions are created from the passage of the old.




981 - Hamid Drake / Bindu "Bindu"

01/ Remembering Rituals
02/ Bindu #2 for Baba Fred Anderson
03/ A Prayer for the Bardo, for Baba Mechack Silas
04/ Meeting and Parting
05/ Born Upon a Lotus
06/ Bindu #1 for Ed Blackwell
07/ Bindu #1 for Ed Blackwell, from Bindu to Ojas
08/ Do Khyentse’s Journey, 139 Years and More

Hamid Drake: drum set, frame drum, tabla
Daniel Carter: tenor & alto saxophones, clarinet
Ernest Dawkins: tenor & alto saxophones, percussions
Sabir Mateen: tenor & alto saxophones, voice
Greg Ward: alto saxophone, clarinet
Nicole Mitchell (special guest): flute

Bindu (a term in yoga that means prayer) is a mixture of jazz with Middle Eastern, African and Indian musics. The thirteen-minute "Remembering Rituals," where Drake plays frame drums and Nicole Mitchell flute, is a sound journey that lands the listener in the middle of a North African bazaar. "Bindu # 2 for Baba Fred Anderson"—a more "traditional" jazz composition, albeit in a free style similar to that of former jazz outlaw Ornette Coleman—finds the entire quartet of saxophones (Sabir Mateen, Ernest Dawkins, Greg Ward and Daniel Carter) and drums joining in a blowing and bashing free-for-all. The Middle Eastern journey resumes on a mellow tone with "A Prayer for the Bado."
All About Jazz

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980 - "Il faut des emplois fictifs pour tout le monde" S.P.A.M. 2002

979 - Entretien avec Pierre Carles (2001)

Rencontre avec Pierre Carles, suite à la projection de ces deux films, Pas vu pas pris et La sociologie est un sport de combat ainsi que des débats qui les ont suivi. La sociologie... est un film consacré à Pierre Bourdieu chez qui il a trouvé des points d'appui théoriques, comme le préfigure en un sens Pas vu pas pris dans lequel sa pratique réflexive du journalisme l'amène à appliquer à son propre métier les méthodes de l'enquête journalistique. Voir Réponses Pour une anthropologie réflexive, de Pierre Bourdieu avec Loïc Wacquant [1992] dans lequel il aborde sa méthode d'étude des pratiques sociales qui implique une théorie de celles-ci tout autant qu'une théorie de la pratique théorique. D'où une conception de la sociologie qui l'assimile à un " art martial de l'esprit ".

Spam : On pourrait rapprocher ton film de celui sur Noam Chomsky : Les médias et les illusions nécessaires....

Pierre Carles : Oui et non. Oui dans la mesure où, comme dans le documentaire sur Chomsky, il s'agit d'un film qui va, me semble t-il, à l'encontre de ce que l'on pourrait appeler le discours dominant, et qui par conséquent lui ressemble ; non, si l'on considère que, dans La Sociologie est un sport de combat , le montage et la réalisation n'amènent pas le spectateur d'un point A à un point D en passant par un point B ou C, comme c'est le cas dans le film de Marle/Wyntonick, mais laissent au spectateur une relative marge de manœuvre, lui donne la possibilité de déambuler à sa guise dans la pensée de Bourdieu. Je ne voulais pas trop prendre le spectateur par la main, je tenais à éviter de le manipuler. Un point commun entre Chomsky et Bourdieu, c'est de ne guère être appréciés des cercles dirigeants et des grands médias. Pendant longtemps, en France, seuls de petits éditeurs comme Agone ou Sulliver publiaient des ouvrages de Chomsky. Ce dernier avait une image épouvantable depuis l'histoire Faurisson. C'est surtout le journal Le Monde qui a eu un comportement scandaleux dans cette affaire.

La suite, c'est par ici...
Bonne lecture !


978 - Keiji Haino / Sitaar Tah "Animamima"

Fuyuki Yamakawa : Igil, Vocals (throat singing)
Sitaar Tah! : Orchestra (Sitar)
Yoshidadaikiti : Sitar (Sitaar)
Keiji Haino : Vocals, Hurdy Gurdy [Electric Hurdy-gurdy], Lute [Electric Tanbur], Performer [Electric Sruthi-box], Flute, Performer [Rhythm Box]

Parfois, les évènements importants, essentiels, et disons le tout net, bouleversants, sont des évènements immobiles. Il n'y a pas de mouvements, alors qu'il y a une vie d'une densité jamais atteinte, genre matière noire au coeur de l'univers.
Et ce mouvement immobile, cette attente qui n'en finit pas, apporte un tel sentiment d'éternité qu'il n'y a pas d'autres choix que de rester totalement immobile (comme dans une phase entre les vies), alors que l'âme et le corps sont bombardés par des photons sonores d'une incroyable mobilité, comme si le Soleil envoyait une dose de musique à l'image de ses orages magnétiques.

Sans pouvoir ni vouloir d'une quelconque manière me soustraire à cet infini hypnotique, qui me laisse chancelant et parfois perdu dans ces chemins que j'emprunte sans jamais poser le pied, des chemins de traverses purement inventés et créés par cette musique d'une dimension inimaginable (et pourtant humaine, d'une dimension tellement humaine qu'elle s'est presque perdue dans des échoppes de boutiquiers avides), je dois vous avertir qu'il est presque surhumain (presque) de se relever, après avoir côtoyé les astres les plus purs.

Rien n'est démesuré dans mes propos, ils n'arriveront JAMAIS a rendre compte de cet enregistrement en public qui atteint un absolu.

AmiEs passantes, vous voilà avertiEs.
Lentes progression shamanique.

977 - Phantom Orchard

La musique de Phantom Orchard est paisible et angoissante, parfois chaotique, et composée d'une myriade de sonorités, d'une variété étonnante. Le mélange des palpitations électroniques et de la harpe classique, font de Jezebel un remarquable thème d'ouverture. Savage flower poursuit la symbiose avec la présence d'un piano "théâtral" progressivement absorbé dans une pluie fine de composants électroniques. Il s'y passe quelque chose, comme une alerte paisible. Les titres suivants sont du même acabit, véritables intermèdes fantomatiques où se combinent manipulations subtiles de la technologie numérique et intrusions de sons acoustiques et analogiques totalement désorientés. Pendant que Ikue mori pilote son Laptop avec maestria pour nous distiller des percussions électroniques, Zeena Parkins s'en donne à cœur joie, avec un instrumentarium impressionnant : harpe classique, harpe électrique, mellotron, piano et vieux synthétiseurs analogiques (Moog III, Buchla séries 200...). SONHORS

This could be Zeena Parkins' strongest album since Ursa's Door. A collaboration with the ubiquitous Ikue Mori, Phantom Orchard marks her return to a rich, complex form of writing. The album also features her talents as an instrumentalist as a whole, instead of focusing on a single aspect of her work. She can be heard on piano, Mellotron, electric piano, and Moog and Buchla synthesizers, along with her electric and acoustic harps. The latter instrument provides the delicate overture of "Jezebel," the album opener. Right from the start, the two artists open the door to a sound world rich in details and quizzical forms of beauty. Ikue Mori's electronics seem to include a fair dose of real-time sampling and treatment, as the landscapes painted here often appear to be self-mirroring. There is a lot of movement within the stereo field, along with depth effects and lots of overdubs. The result is a set of dense pieces with complex arrangements and a compositional structure that can be felt but is rarely actually seen ("Jezebel" and "Ghostlake" are exceptions). There is a strong element of academic electro-acoustics in the techniques of composition, but the results feel more like papiers collés, with lots of different colors, shapes, and textures. Recorded at a different time and place, "Contraband" seems to be a live performance: it is much noisier and single-minded in terms of arrangements, revealing a more vital, immediate side to this duo. Parkins and Mori are truly exploring the music inside the sound, and what they find rewrites the canons of beauty.
All Music - François Couture

976 - Phantom Orchard "Orra"

01/. Inquisitive Fingers
02/. Gypsoflia
03/. Omni
04/. Cavalcade
05/. Ship Of The Damned
06/. Big Foot
07/. Cascade Of Joy
08/. Green Dome
09/. The Well
10/. Magnetic Sleep
11/. Kiss That Conquers

Avec, peut-être pas par ordre d'apparition, mais quand même, dans l'ensemble, des artistes reconnus pour être suffisamment dans ces marges qui nous plaisent tellement que ce serait dommage de passer à côté :

Cyro Baptista (Percussion), Makigami Koichi (voix, guimbarde, berimbau), Ikue Mori (électronique), Zeena Parkins (Harpe électrique, harpe acoustique, omnichord), Josh Quillen (Steel Drum), Maja Solveig Kjelstrup Ratkje (voix, Real Time Processing)

Reposant principalement sur le duo Zeena et Ikue, 2 femmes d'improvisations, aillant déjà participé à d'autres (projets ? alboumes ? créations ? trucs qui ne peuvent pas être nommés ?), voici une bien belle entente comme on les aime, avec des allusions plutôt sensuelles, soit par certains titres, soit par certains sons. Tout cela foisonne, pousse, tire, s'éparpille dans tous les sens (mais sans perdre de sa continuité), fleure à tous les étages, s'élève et s'enfonce, se vrille dans tous les strates (avec parfois une forme de quiétude rarement entendue), remonte jusqu'à la racine pour descendre du plus haut sommet qui dépasse de la forêt, inverse les niveaux, réinvente le réveil du printemps comme parfois on aimerais réellement que ce printemps s'éveille (avec des rumeurs lointaines qui changent quand elles s'approchent, réveillent nos instincts et ajoutent du pollen non allergique partout, surtout pour la couleur des sons),... comment dire ?
Attention, chaque pas sera une aventure ? Alors, qu'attendre pour les vivre ?

975 - Magma "Orchestral Kohntarkosz"

Une version alternative à Kohntarkosz, trouvée par ici.

Les amateurs de Magma apprécieront, s'ils ne la connaissent pas déjà.
Les autres, s'il y en a encore qui n'ont jamais entendu parler de Magma, il va bien falloir vous y mettre, non mais.
40 ans que ce groupe forge sa légende.

974 - David S Ware Quartet "Freedom suite" (à nouveau)

David S Ware : tenor
Matthew Shipp : piano
William Parker : contrebasse
Guillermo E. Brown : batterie


973 - Le zèle des collabos...

Guet-apend au Crédit lyonnais

Convoqué pour récupérer sa carte bancaire, un sans-papiers a été arrêté dans une agence d’Aulnay-sous-Bois (Seine-Saint-Denis).

Le Crédit lyonnais n’ayant pas répondu à nos appels, nous ne saurons pas si les salariés délateurs sont récompensés par des bonus lorsqu’ils livrent ainsi en pâture des sans-papiers aux forces de l’ordre.

Il n'y a même pas l'excuse d'être occupé, sous la coupe d'un autre pays. Nos zélés employés se chargent de répercuter comme il se doit la politique de la traque et de la rafle. Le soir, repuEs, ils / elles peuvent diner en famille, avec le sentiment du devoir accompli. Livrer des sans papier à la police de Hortefeux est une activité qui peut remplir des vies éteintes et procurer des purs moments de bonheurs. J'espère que ces banalEs employéEs ressentent ENFIN des émotions, sinon, à quoi bon, hein, que de participer à cet acharnement contre les plus démunis ?
Hein ?

972 - Art Bears "Live 19 mai 2008", le punk-rock brechtien est bien vivant !

Fred Frith (guitar, bass, piano, violin)
Chris Cutler (drums)
Zeena Parkins (piano, organ, accordian, voice)
Carla Kihlstedt (violin, voice)
Jewlia Eisenberg (voice, bass)
Kristin Slipp (voice)

01. Intro 1:02
02. Joan 4:40
03. First Things First 5:02
04. The Summer Wheel 3:08
05. The Slave 5:06
06. The Hermit 3:34
07. Rats and Monkeys 4:09
08. The Skeleton 3:26
09. The Winter Wheel 2:51
10. Man And Boy 5:47
11. Three Wheels 5:21
12. The Song Of Investment Capital Overseas 2:58
13. Truth 2:41
14. Law 0:53
15. The Song Of The Monopolists 2:14
16. Freedom 3:12
17. Albion, Awake! (unrecorded version w/lyrics) 1:38
18. The Dance 5:51
19. Presentation & encore 2:15
20. All Hail 4:58
21. Joan encore 3:45


971 - John Zorn Masada Quintet feat. Joe Lovano "Stolas - Book of Angels Volume XII"

1. Haamiah
2. Rikbiel
3. Psisya
4. Sartael
5. Tashriel
6. Rahtiel
7. Tagriel
8. Serakel
9. Rigal

- Joe Lovano / Tenor Saxophone
- Dave Douglas / Trumpet
- Uri Caine / Piano
- Greg Cohen / Bass
- Joey Baron / Drums
- John Zorn / Alto Sax (track 6)


970 - Misha Alperlin "Night"

1. Tuesday
2. Tango
3. Adagio
4. Second Game
5. Dark Drops
6. Night
7. Heavy Hour
8. Far, Far...

Anja Lechner : violoncello
Hans-Kristian Kjos Sørensen : percussion, marimba, voice
Misha Alperin : piano, claviola

Ukrainian pianist Misha Alperin’s commissioned work simply entitled Night presents a contrast from the norm in the way most audiences think of jazz orchestrations. Without “big horn sections, lots of noise, electric instruments, or special guest stars...”, the ensemble quietly but profoundly consists of piano, violincello, and percussion to deliver its theme. The silent absence of pretentious music mirrors Alperin’s vision for the suite: The musical symbolization of the “intense silence of night”, with abrupt intrusions of noise, such as a slamming car door, or an approaching thunderstorm.
All About Jazz


969 - Peter Kowald / William Parker "The Victoriaville Tape"

Peter Kowald : double bass
William Parker : double bass

Arrival (15:57)
Conversation (41:23)
Departure (5:31)
Farewell (6:51)

"There is no doubt that Kowald and Parker generate an expansive sound together....The two men create a slowly shifting field of pure sound, sometimes out of which emerge small moments of furious walking bass or fragments of melody." - Jazz Times

Jouer comme si c'était la dernière fois. Parce que, fatalement, un jour, ce sera la dernière. S'engouffrer dans l'intense, ne plus le lâcher. Laisser la prudence aux caniches. Le calcul aux calculateurs. En bref, vivre. Faire don de soi et de sa musique. Voilà ce que firent Peter Kowald et William Parker un soir de mai 2002 dans le cadre du dix-neuvième festival international de musique actuelle de Victoriaville au Québec.

A quoi bon détailler ce qui de toute façon ne peut l'être. Dire (écrire) quoi ? l'urgence ? l'appétit d'ogre de ces deux frères de cœur ? les débordements ? l'implication ? l'écorchure ? l'inouï ? l'intense ? l'unité ? Ce soir-là, deux musiciens nous donnaient à entendre le sensible, l'abandon. Ce soir-là, des torrents d'amours (Love Streams) inondaient nos oreilles.
Le 21 septembre 2002, soit quatre mois à peine après ce concert, Peter Kowald décédait d'une crise cardiaque dans l'appartement de William Parker.
Luc Bouquet - Jazzbreak

On May 19, 2002, Peter Kowald and William Parker played a duo set at the Festival International de Musique Actuelle de Victoriaville. Both bassists had made regular appearances in Victo over the past two decades, but no one in the audience could have guessed that it would be Kowald's last. The German improviser died in New York City four months later. The French-Canadian radio was not recording this concert, but the mixing desk engineer kept a tape rolling, just in case, and negotiations toward the release of this performance were already in progress when fate struck. Now, as the listener, you can decide whether or not to "hear" this album as a normal performance or as a farewell, but it's suggested you choose the latter. Why? Because, all in all, The Victoriaville Tape is a rather ordinary offering from extraordinary musicians. There are moments in "Arrival" and "Conversation" when the sound of the two basses becomes overwhelmingly claustrophobic, each player trapped in his own world without stepping into the other guy's sphere. When Kowald starts singing 24 minutes into the 41-minute "Conversation," it sounds unnecessary. That said, there is magic on this record, especially in the last minutes. The two shorter tracks ending the set are nothing less than fabulous. "Departure" drones in a rapturing way, soothingly beautiful after the monolithically hyperactive monster that came before it. This refreshing dip opened new doors of communication between the bassists for the encore "Farewell." One wishes the concert had started just then, but as it is, The Victoriaville Tape makes a decent album and, circumstances considered, a worthy document.
François Couture, All Music Guide

968 - Marilyn Crispell / Stefano Maltese "Red"

Marilyn Crispell : Piano
Stefano Maltese : Clarinet Bass, Sax Alto, Soprano, Tenor

1 Afternoon Whisper
2 Across the Ocean
3 Lost Skies
4 For These Walls
5 A Star or Two
6 Towards Twilight
7 Stellar Waves
8 Come Slowly, Day
9 Faces on Fire


967 - Sainkho Namtchylak, Vladimir Tarasov, Vladimir Volkov "Aura III - Trio Initiation"

CD 3

Trio Sainkho Namtchylak, Vladimir Tarasov and Vladimir Volkov

Part I (12:17)
Part II (13:45)
Part III (14:19)
Part IV (14:29)

Vladimir Tarasov (Percussion), Vladimir Volkov (Double Bass), Sainkho Namtchylak (Voices)

966 - Sainkho Namtchylak & Peter Kowald "Aura II - Adult Game Duo" -

CD 2

Duo Sainkho Namtchylak and Peter Kowald

1. Introduction (2:00)
2. Leaving Home (5:25)
3. Mute (4:01)
4. Spring Touch (3:58)
5. Making the Idol (4:12)
6. Fruehlingsrolle Mit Filz (2:40)
7. Correct Conversation (7:16)
8. Moscow Bar (4:17)
9. Natural and Virtual (5:37)
10. Burn the Idol (7:40)
11. Tibet (3:57)
12. King of Thoughts (4:07)
13. Coming Home II (5:20)
14. Epilogue (8:17)

@ suivre...

965 - Sainkho Namtchylak "Aura 1 - Solo voice"

Aura is the first album by Tuvan singer Sainkho with Peter Kowald (Wuppertal, Germany, double bass), Vladimir Tarasov (Vilnius, Lithuania, drums) and Vladimir Volkov (St. Peterburg, Russia, double bass).

The album consists of three pieces:

I AURA solo vocal improvisation by Sainkho
II ADULT'S GAMES duo Sainkho Namtchylak and Peter Kowald
III INITIATION trio Sainkho Namtchylak, Vladimir Tarasov and Vladimir Volkov

Dedicated to my daughter

"may the aura surround you"

When the primal scream entered sound world of the universe it was the first man-made, artificial addendum. Music is the art of the intonated sense; the shout, the groan, the cry and the song were the aural quintessence of the spiritual world of human beings. The aura that personifies sound is transparent through timbre and tone, envelops and tightens the other side of sound, the space of meanings and feelings. Children's games, adult's games, god's games... You can be an idol or a god among the people, but how to make sense of the Divine Game? Just remember that this knowledge or awareness is Truth. Consonance or dissonance, free music, pop music, it's all searching and hunting for the Great Harmony. Listening to the pauses or the endings of music is the initiation into great harmony. As fullness is born into the emptiness of Universal Truth, Absolute Harmony is born into Silence. The three-dimensional illusion we call Life will never be perfect because it is made to beimperfect. It is only a school for feelings and the fantasy, designed to improve the hidden chords of thought. Art exists in order to develop the capacity of human beings to imagine. A hidden knowledge of life exists to serve your capacity to develop. Develop your imagination. Please dream. It's healthy.
Sainkho Namtchylak

CD 1

Solo Sainkho Namtchylak

1. Red Orange (11:51)
2. Deep Blue (13:44)
3. Violet Silver (10:02)

@ suivre....

964 - Supersilent "5"

Enregistrements en public : Purcell Room, Queen Elisabeth Hall, Londres, Angleterre, 16 novembre 2000 / ITC Teatro di San Lazzaro, Bologne, Italie, 26 septembre 2000 / Blå et Kulturkirken Jakob, Oslo, Norvège, 7 février 1999 et 8 octobre 2000.

Helge Sten (audio virus), Ståle Storløkken (claviers), Jarle Vespestad (batterie), Arve Henriksen (trompette)


963 - Dashiell Hedayat "Obsolete"

Sortez vos patt' d'éf', vos shilums et autres narguilés, vivez nus & habillez vous de couleurs pétantes et bariolées, .... voici la bande sonore idéale. Ah nostalgie, quand tu nous prends....
Cet alboume est un "must".

962 - Joëlle Léandre & George Lewis "Transatlantic Visions"

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Joëlle Léandre : double bass
George Lewis : trombone

Léandre plays with Bailey who plays with Lewis who plays with Léandre. Lewis plays with Les Diaboliques and Günter "Baby" Sommer or Paul Lovens. Léandre plays with Lewis and Steve Lacy, with Lewis and Anthony Braxton. The good thing, in the unknown world of known improvisers, is that everything is crater and archipelagos...
...Then, and foremost, have no reason to wait. The improvisers are first and foremost sound modifiers or particle accelerators. The chain reactions they provoke aim at the amorous new world.
Alexandre Pierrepont, excerpt from the liner notes

TRANSATLANTIC VISIONS is the live recording of the Vision Festival XIII concert (New-York, June 2008), which has been awarded "Best Performance of the Year" by the monthly magazine All About Jazz NY.

Recorded live on June 2008 at Vision Festival XIII (New-York) by Stefen Heger
Mixing and mastering: Jean-Marc Foussat
Liner notes: Alexandre Pierrepont
Photographs: Thierry Trombert, X
Produceur: Michel Dorbon